Frankfurt Moves!

Hana Abdelnabi (Gaza, Palästina) schloss ihr Lehramtsstudium 2010 ab. Wegen der hohen Arbeitslosigkeit entschied sie sich, ihre schauspielerischen Fähigkeiten bei Theatre Day Productions zu verbessern, die Schauspiel und Regie unterrichten. Seit ihrem Abschluss 2015 ist sie als Schauspielerin, Regisseurin und Geschichtenerzählerin tätig. Sie arbeitet mit Frauen, Kindern und Jugendlichen – innerhalb und außerhalb des Schulkontextes.  

Hend Abu Hassanein (Gaza, Palästina) ist in den Darstellenden Künsten engagiert, seit sie sich 2009 bei Theater Day Productions einschrieb. 2014 erhielt sie dort ihren Abschluss als Theaterpädagogin, Regisseurin, Schauspielerin und Geschichtenerzählerin. Sie stand in vielen Stücken auf der Bühne und gibt Workshops in Schulen und Nachbarschaftszentren. Darüber hinaus kooperiert sie mit dem Al-Hakawati (Geschichtenerzähler) Programm, indem Frauenbiografien gesammt werden, um daraus Theatearproduktionen zu entwickeln.  

Mehdi Dahkan (Tanger, Marokko) ist ein marokkanischer Choreograf und Performer. Er gründete die marokkanische Tanzkompanie Cie Jil Z. In seinen Choreografien befragt er Politiken des Raums und des Körpers durch urbane und zeitgenössische Praktiken. Mit seinen Performances, die durch die sozialen Anliegen der marokkanischen, arabischen und afrikanischen Jugend inspiriert sind, möchte er zum Nachdenken anregen. Seine Arbeiten wurden bereits bei Festivals in Irland, Frankreich, Belgien, Ägypten, Jordanien, Tunesien und Deutschland gezeigt. Zurzeit arbeitet er an der Trilogie „Subject To. Only 14. Kms of Resistance‟, die aus einem Solo, einem Quintett und einer Performance über Immigration und die Idealisierung (unbekannter) Orte besteht.

Wezile Harmans (Port Elizabeth, Südafrika) ist ein interdisziplinärer Künstler, der mittels Performance, Film und Installation sozialen Wandel erreichen möchte. Seine Werke beschäftigen sich mit Vorurteilen, setzen ein Zeichen gegen gesellschaftliche Ungerechtigkeit und schaffen Raum für kritische Selbstreflektion an ungastlichen Orten. Wezile Harmans Arbeiten sind davon beeinflusst wie Dinge entstanden sind, welche Motivationen bestimmten Bewegungen, Reaktionen und menschlichen Handlungsweisen zugrundeliegen und insbesondere wie diese zum Symbol werden. Seine Werke wurden an verschiedenen Orten in Südafrika und international gezeigt, er hat mehrfach an Residenzen teilgenommen und Preise erhalten, zuletzt den Prince Claus Fund Building Beyond Award 2023.   

Omayra Martínez Garzón (Buenos Aires, Argentinien) ist eine kolumbianische Schauspielerin, Produzentin und Figurentheaterspielerin. Sie erhielt ihren Abschluss in Theater von der UNSAM Universität in Argentinien. 2019 produzierte sie „The butterfly diaspora“, eine Koproduktion zwischen Brasilien, Chile und Argentinien über Frauen in der Immigration, gefördert durch IBERESCENA. Mit ihren Stücken wurde sie zu einer Reihe von Festivals eingeladen, u. a. Sommerwerf in Frankfurt und Women on Stage for Peace in Kolumbien. 

Trần Minh Hải (Hanoi, Vietnam) begann ihre Karriere im zeitgenössischen Tanz 2017 beim Kinergie Studio. Sie möchte neue Wege der Erkenntnis durch Bewegung, Tanz und „Spiel“ eröffnen, um neue und vertiefte Beziehungen zu ermöglichen. Sie war an vielen Produktionen beteiligt und tanzte bei A Touch of Belgium, Krossing Over Arts Festival, der „L’EGO Show“ und anderen Produktionen des Kinergie Studios. Als Ko-Regisseurin und Darstellerin realisierte sie 2021 das zeitgenössische Tanzstück „A wo I man“, im Rahmen der Antigone Saison des Goethe-Instituts Vietnam. 2022 wurde Minh Hải in der Kategorie „active artist“ des Hanoi Grapevine Finest Pandemic Award nominiert. 

Carla Tapparo (Buenos Aires / Argentinien) beschäftigt sich mit den Beziehungen, Interaktionen und Gemeinsamkeiten wahrgenommener Gegensätze – wie physisch-digital, Körper-Geist, drinnen-draußen – um nur einige zu nennen. Ihr aktueller Forschungsschwerpunkt ist der Körper und wie sich Theorien von dessen Ablehung und Entfremdung auf den Körper als biopolitische Einheit übertragen lassen. Carla Tapparo besitzt einen BA und PhD in Bildender Kunst, mit Schwerpunkt Malerei (UNLP, Argentinien) sowie einen MA summa cum laude im Studiengang Kunst im öffentlichen Raum (École de Design et Haute École d’Art du Valais, Schweiz), wofür sie ein Hans Boerg Wyss Stipendium erhielt. Sie war Teilnehmerin von NIME (New Interfaces for Musical Expression) und arbeitet als Art Director für Piuke Productions. Carla Tapparo erhielt Preise und Auszeichnungen von Institutionen wie dem INCAA (National Institute for Audiovisual Arts) und ihre Arbeiten wurden bereits in Argentinien, Irland, der Schweiz und Deutschland ausgestellt und aufgeführt.

Stephanie Kayal ist eine Performerin, Tänzerin und Choreografin aus Beirut, Libanon. Zurzeit entwickelt sie ihre zweite Eigenkreation, die beim NEXT Festival – Kortrijk 2022 uraufgeführt wird und die derzeitige Endzeitstimmung im Libanon spiegelt. Dabei handelt es sich um eine lose Fortsetzung ihrer ersten Arbeit „Evidence of Things Not Seen“ (2021), einer Performance über eine Familie die vom Tanz und ihrer Vergangenheit verfolgt wird.

Abed Kobeissy ist ein elektro-akustischer Musiker und Komponist aus Beirut, Libanon. Seine Arbeiten wurden in über 18 Ländern aufgeführt und haben ein starkes lokales Kolorit, ohne jedoch traditionelle oder ethnische Repräsentation für sich zu beanspruchen. Von Solo- über Kooperationsprojekte bis zu Musik für Film, Theater und Tanz – seine musikalische Sprache speist sich vor allem aus der lokalen städtischen Klangkulisse und seine Arbeiten kreisen oft um Familie und Heimat.

Emmanuel Ndefo ist Tänzer, Choreograf, Kurator und Forscher am Center for Contemporary Art in Lagos, Nigeria. Ihn interessiert die kritische Darstellung von Körpern innerhalb von Architekturen und an alternativen Orten, z. B. in Museen, Gallerien, Archiven etc. Er glaubt, dass es möglich ist durch den Einsatz des Körpers und interaktive Performances die Verwandtschaft von Kunst, Publikum und Raum erfahrbar zu machen. Durch Körper die sich im Raum bewegen können Gedankenprozesse beeinflusst, Erinnerungen wachgerufen und Erzählungen in Frage gestellt werden.

Femi Adebajo ist ein multidiszipliärer Künstler aus Nigeria, mit einem Fokus auf Tanz als Zugang zum menschlichen Verstand. Als Choreograf untersucht er unterschiedliche Styles ausführlich, bevor er Bewegungsmuster mit musikalischer Begleitung kreiert. Mit seinen radikalen Choreografien spricht er Menschen auf der ganzen Welt an. Femi Adebajo hat an einer Reihe von Workshops und Weiterbildungen teilgenommen, u. a. bei Prof. Wole Soyinka, Segun Adefila, Seun Awobajo, Qudus Onikeku, Sunday Israel, Akpan, Adedayo Liadi (Ijodee), Sahar Rahimi, Isioma Williams, Stine Hertel, Alice Ferl, Tairu Ajibode, Abel Utuedor und Haracio Macuacua. Er hat für globale Marken wie Adidas und mit rennomierten Festivals und Compagnien, wie Theater der Welt, Monster Truck, Company Christoph Winkler, Hektomeron Theatre Festival (Rumänien), Irineu Nogueira Dance Program (München) und Sanskar Virtual Dance, gearbeitet.

Manjari Kaul ist eine Performerin, Regisseurin und Dozentin aus Neu Delhi, Indien. Sie machte ihren Abschluss an der DUENDE School of Ensemble Physical Theatre (2015) und besitzt einen MA von The School of Arts & Aesthetics, Jawaharlal Nehru University. Zuletzt konzipierte und performte sie in der digitalen Produktion „Firefly Woman“, die von der ReFrame Arts Genderalities 2.0 unterstützt wurde. Sie erhielt die ThinkArts Förderung 2022 und entwickelt zurzeit ein neues Stück für junges Publikum mit dem Aagaaz Theatre Trust. Sie unterrichtete an der DUENDE School und der Srishti School of Art, Design & Technology als Gastdozentin und führte Ko-Regie bei einer Produktion mit Studierenden von The National School of Drama. Ihr Solo „Chronik eines angekündigten Todes”, nach der Novelle von Gabriel Garcia Marquez und vom Instituto Cervantes in Auftrag gegeben, wurde bereits in London, Athen, Neu Delhi, Bangalore und Lucknow gezeigt. Manjari Kaul beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit der Irritation durch Unpassendes und Ungewöhnliches in live Performances. Gender, Sexualität und Erinnerung sind Themen, mit denen sie sich immer wieder auseinandersetzt.

Savita Rani ist Absolventin der National School of Drama (NSD) aus Neu Delhi, Indien, mit einem Schwerpunkt auf Schauspiel. Sie arbeitet als Forscherin, Schauspielerin und Regisseurin und erteilt Schauspielunterricht. Kürzlich hat sie ihre Promotion am Fachbereich Performing Arts der Pondicherry University mit der Studie „A Study on Devised Solo Theatre in India” abgeschlossen. Sie erhielt eine Ausbildung in Martial Arts, wie Kalari und Tai-Chi. Savita Rani hat bereits mit rennomierten Theatermacher:innen gearbeitet, wie Anuradha Kapur, Anamika Haksar, Tripurari Sharma, K. S. Rajendran, Abhilash Pillai, Amitesh Grover, Suresh Anagali, Harish Khanna, Vivan Sundram, Roysten Abel, Khalid Tyabji, Jyoti Dogra etc. Ihre Arbeit brachte sie nach Peru, Pakistan, China, Nepal, Österreich, Bangladesch, Japan, Thailand und England. Parallel zu ihrer Forschung entwickelte sie das Solo-Theaterstück „RIP: Restlessness in Pieces”, mit dem sie an vielen Orten in Indien und im Ausland auftrat. Zurzeit arbeitet sie an dem neuen Solo „Notions”, das vom  Serendipity Arts Festival 2020 unterstützt wird.

Priiya ist Performer*in, Tänzer*in und Videokünstler*in und lebt zurzeit in Berlin. Priiya erhielt einen MA im Studiengang Movement Direction von der University of London und befindet sich auf einer Forschungsreise um Wurzeln im bewegten Körper zu schlagen. Priiya denkt über unsere Art Körper und Raum zu organisieren nach, in dem Versuch diverse Sprachen, Fiktionen, Erinnerungen und Identitäten fließend ineinander übergehen zu lassen.

This Is Not Lebanon
Festival for Visual Arts, Performance, Music and Talks (26.08. – 12.09.2021)

Frankfurt LAB & Künstlerhaus Mousonturm

Der Libanon hat in kürzester Zeit eine vierfache Katastrophe erlebt: Das Steckenbleiben der Revolution im Oktober 2019, die Hyperinflation als Folge eines bodenlosen Kursverfalls der libanesischen Lira, die Explosion im Hafen von Beirut im Sommer 2020 und zuletzt die Pandemie.

This Is Not Lebanon gab Künstler*innen, die sich der vereinfachenden Berichterstattung zur Lage im Libanon widersetzen und vielschichtige Perspektiven auf das Land entwickeln, eine Plattform. Das dreiwöchige Festival präsentierte im Mousonturm und SOMMERBAU in Frankfurt vor allem jüngere Protagonist*innen aus Performance, bildender Kunst, Choreografie und Musik.

Vier neue künstlerische Arbeiten entstanden im Rahmen Frankfurt Moves! – dem Residenzprogramm der KfW Stiftung und des Frankfurt LAB. Ghida Hachicho erforschte im SOMMERBAU mit vier weiteren Performer*innen die Dynamiken von Gruppenverhalten. Marwa Arsanios setzte ihre feministische Arbeit mit einer performativen Videoinstallation zu Fragen von Erbe, Eigentum und Wert fort. Bassem Saad befasst sich in seiner film- und textbasierten künstlerischen Arbeit mit der Verteilung von Gewalt und Lust und Ali Eyal setzt sich in seiner multidisziplinären Praxis mit zeitgenössischen Formen des Kampfes und der kollektiven Verletzung auseinander. Saad und Eyal stellten beide im Rahmen des Festivals erstmals performative Arbeiten vor.

Entwickelt und kuratiert von Matthias Lilienthal, Christine Tohmé, Anna Wagner, und den Mitgliedern des Ensamble Modern Jaan Bossier, Uwe Dierksen und Christian Hommel.

Dem Festival in Frankfurt folgte im Oktober 2021, in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut Libanon und dem libanesischen Kunstzentrum Ashkal Alwan, ein zweiter Festivalteil vor Ort in Beirut. Es wurde von der Kulturstiftung des Bundes, dem Goethe-Institut, der Ensemble Modern Patronatsgesellschaft e.V. gefördert und das begleitende Diskursprogramm wurde von der Bundeszentrale für politische Bildung/bpb gefördert.

Daniel Arnan Quarshie setzt sich​​​​​​in seinen Zeichnungen durch seine Erinnherungen und Erfahrungen mit gesellschaftlichen Themen und allgemeinen Fragen in der Kunst auseinander. Seine Arbeiten befassen sich mit Verlust, indem sie der Abwesenheit durch die Erinnerung Form und Präsenz verleihen. Quarshies Zeichnungen, die in Fragmenten oder Schichten oder beidem aufgebaut sind, interpretieren Zeit, Raum und Erfahrung neu — sie halten Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zusammen.

Geboren und aufgewachsen in Ghana, hat Quarshie einen BFA-Abschluss in Malerei und Bildhauerei von der KNUST in Kumasi und absolviert derzeit seinen MFA-Abschluss im selben Fachbereich. Im Jahr 2022 nahm Quarshie als einer der Vertreter von blaxTARLINES, Kumasi, an der documenta fünfzehn und Gasthof22 teil. Später im selben Jahr nahm er an Unlimited, Gallery 1957, Accra, teil, wo er einen Residency-Aufenthalt in der Galerie absolvierte. Im April 2023 eröffnete Quarshie seine erste Einzelausstellung, "Sympathetic Magic", in der Galerie 1957, Accra. Seitdem hatte er seine zweite Einzelausstellung, "Home", in der Compound House Gallery in Kumasi, und ist auch Teilnehmer von "Unlimited II", Gallery1957, Accra.

Sopo Kashakashvili ist eine georgische interdisziplinäre Künstlerin, Kulturvermittlerin und Pädagogin. In ihrer Arbeit erforscht sie: individuelle/kollektive Geschichten, Migration/Zugehörigkeit und die Wechselbeziehung zwischen Körper und Architektur. Ihr Forschungsschwerpunkt liegt auf der sozialen Koexistenz, der Reaktion auf unmittelbare Umgebungen und der Dekonstruktion von Sprache. Ihre Arbeit basiert auf Rauminstallationen, die sie als soziale Konstellationen bezeichnet. In diesen überlagern sich Videos, Sound, Performance, Texte und Zeichnungen zu immersiven Erfahrungen. Ihre Inspirationen stammen häufig aus dem Theater, aus Tanzchoreografien und sehr dichten textbasierten Recherchen. Die Einbeziehung von Materialien aus dem städtischen Leben, Textilien und verschiedenen Alltagsgegenständen ist in Sopos Arbeiten häufig zu sehen. Eine weitere wichtige Ebene in ihrer Praxis sind kollaborative und kollektive Arbeiten, öffentliche Interventionen und mobile Strukturen.

Sie ist ein Gründungsmitglied des Künstler*innen- und Architekten*innenkollektivs commune6x3. Ihre jüngsten Arbeiten waren Teil des Künstler*innenhauses Mousonturm in Zusammenarbeit mit textxtnd (2023). Beim Theater Der Welt zeigte sie ihre Arbeit ,Opened Flags' (2023) mit ihrem Kollaborateur Larry Bonchaka. 2023 gewann sie den 2. Platz beim PlayGround Kunstpreis. Kashakashvili hat u.a. in der Opelvillen, Kunstverein Wiesbaden und Blech Kunst e.v., Halle, Saale, ausgestellt. 

Die Städelschule ist eine Hochschule für Bildende Künste in Frankfurt am Main. Seit 1817 widmet sie sich der gleichberechtigten, internationalen, experimentierfreudigen und unabhängigen künstlerischen Ausbildung. Zu den öffentlichen Veranstaltungen der Städelschule gehören die jährliche Ausstellung der Studierenden "Rundgang", die Ausstellung der Absolvent*innen und das Vortragsprogramm.

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Die Internationale Ensemble Modern Akademie (IEMA) ist die Ausbildungsstätte des Ensemble Modern und wurde 2003 mit dem Ziel gegründet, die vielfältigen zeitgenössischen Strömungen und einen offenen, kreativen Umgang mit künstlerischen Prozessen zu vermitteln. Sie bietet Ausbildungsprogramme für verschiedene Zielgruppen, von Education-Projekten über internationale Meisterkurse für Instrumentalist*innen bis hin zu Formaten für Nachwuchskünstler*innen zu Beginn ihres Berufseinstiegs an. Den Schwerpunkt bildet der Masterstudiengang, der seit 2006 in Kooperation mit der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt (HfMDK) durchgeführt wird. Jeder Jahrgang bildet dabei ein eigenes IEMA-Ensemble. 

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